Región extendida del yo Como curadora caribeña, y teniendo muy en cuenta las dinámicas de esta versión de Jagüey, me he planteado ciertos cuestionamientos en torno a las prácticas artísticas del Caribe, especialmente en cómo estas hacen eco en los circuitos centrales del arte y su afectación en las estéticas implementadas por los artistas locales con los que pude trabajar. Pero, ¿qué nos hace caribeños, qué tanto conocemos las estéticas del Caribe y cómo podríamos acercarnos a su autenticidad? ¿En qué punto dichas estéticas se han visto influenciadas por las tendencias centralistas y hacen una transición a una expresión comprensible y aceptada por estas? A sabiendas que los espacios destinados a la circulación, la visibilización, así como la formación de artistas del Caribe colombiano son escasos y en muchos casos nulos, los artistas considerados periféricos, o como les llamaré de ahora en adelante, del “borde”, que buscan circular a nivel nacional, tienen tendencia a transformar o mutar tanto la forma como el fondo de sus creaciones artísticas con el fin de mimetizarse en la estética centralista y ser reconocidos por los principales gestores del sector. Podríamos considerarlo una forma de colonialismo cultural -que es visible desde la influencia de occidente en Latinoamérica- en donde las visiones predominantes cuestionan a lo amorfo su falta de forma, como lo plantea Rodolfo Kusch reflexionando en torno a la estética de lo Americano, y como la estética colonizadora absorbe y somete lo imperfecto dejándolo rezagado. Este es, desde mi punto de vista, un proceso difícilmente evitable, pero el reto de los artistas atrapados y sometidos a esta dinámica radica en conciliar ambos mundos, y lograr que proliferen piezas que interpelan al público tanto del borde, como del centro. Ahora bien, acerca de lo que podríamos considerar auténtico en el Caribe y aquello que nos “une” como región, parto desde el individuo y su propia percepción del ser, entendiendo como ser el yo consciente, que desde el psicoanálisis de Freud se ha considerado como esa parte de nuestra personalidad que percibe, maneja la información, el razonamiento y el control de los mecanismos de defensa, o definido también como el núcleo de la consciencia, según Jung. El mismo yo que en la psicología social de Patricia Linville y E. Tory Higgins se entiende como las representaciones mentales que hacemos de nosotros mismos y que depende de nuestros roles sociales, relaciones interpersonales, rasgos de personalidad nucleares y de las actividades que realizamos, como la carrera profesional. Entonces, teniendo en cuenta lo anterior, podemos deducir que nuestro yo está directamente ligado a nuestro contexto demográfico, remitiéndonos al origen etimológico de la palabra, demo: pueblo, grafía: escribir, “la demografía es el estudio de la manera en que la gente se escribe o representa”, como lo define Judith Butler. Finalmente, nos sentimos parte de un grupo con el que nos identificamos, compartamos o no el mismo territorio, y estamos dispuestos a defender a ese grupo de la misma manera que estamos dispuestos a defendernos a nosotros mismos, y como esperamos ser defendidos por ellos en caso de necesitarlo. Somos Caribe porque reconocemos en un grupo determinado de personas esa región extendida del yo. “Cuando hay violencia, la respuesta, en defensa de esa madre, padre que nos ha dado todo, es rebeldía”, palabras del poeta chileno Elicura Chihuailaf que hoy tomo prestadas para referirme al aura que invade la selección de artistas de esta exposición. Es la rebeldía pero también la resistencia hacia la violencia con la que los artistas abordan problemáticas sociales y personales en sus obras, permitiéndonos conectar con sus posturas críticas y sumergirnos en las construcciones formales que han resultado del apareamiento entre una estética del borde y la influencia colonizadora impuesta por el centro. Como resultado de esta negociación inevitable, surgen propuestas que nos invitan a sumergirnos en un futuro distópico como el que idea Jahirton Betín con sus Caracoles de no colores, en donde se nos narra, en una especie de ficción futurista caribeña, lo que sería el avenir de algunas especies nativas como el caracol, a causa de su constante exposición a los derramamientos de carbón en el Mar Caribe, específicamente en las costas de Santa Marta y el Magdalena, y cómo al verse asediados por la violencia derivada de la negligencia humana optan, en un intento de autopreservación, por mutar y adaptarse a las nuevas condiciones que con extrema rudeza se les ha impuesto. La obra de Betín es una oda a la resiliencia de la naturaleza, que a pesar de la agresividad con la que es tratada, encuentra una forma de persistir y resistir con fuerza a la violencia recibida. “El débil puede hacer uso de fuerza, su debilidad es su fuerza” . Pedro Lemebel La relación de la naturaleza con la imposición de las crudas condiciones de “vida” humana se hace presente igualmente en la obra La Liga de Juan Pablo Heilbron, en donde el moho, protagonista de esta historia, actúa como inquilino anarquista que boicotea y squatea espacios con el fin de subsistir en un ambiente inhóspito como lo es el concreto, así como lo hizo la liga de inquilinos en los años 1920s, buscando bajar los precios de la vivienda en la ciudad de Barranquilla. El artista hace un recorrido por los barrios de la ciudad en donde operó este grupo y recupera material de escombro que luego utiliza como vivienda en bloques para el mencionado hongo, y logra con una obra viva, que la fragilidad misma de este microbio y su resistencia a las dificultades, se convierta en la delicada fortaleza que con el paso del tiempo logrará invadir la totalidad de cada bloque. Hay otro tipo de piezas que también se originan desde la preocupación por el sometimiento destructivo y cruel que el humano ha desatado sobre la naturaleza, y que encuentran en la representación del esfuerzo a lo largo del tiempo una solución formal, como es el caso de Gran Cauce de Ludovico Groovie. Su recreación cartográfica de un mítico uróboros fluvial, que circula indefinidamente sin principio ni final, rodeando nuestro mundo y simbolizando la lucha eterna, incansable e inútil por mantener infinitas sus riquezas y así complacer la insaciable avaricia humana que conlleva la extracción de oro aluvial, es una alegoría a la teoría del modelo hidráulico aplicado en el comportamiento humano, en donde una cantidad de energía se libera y persiste en el tiempo una vez que el yo se encuentra libre de obstáculos o inhibiciones. Añoramos ser como ese gran cauce: infinito, imparable, desbordante, imposible. Sí, ¿quién puede dudarlo? me dicen: El Agua es la Vida ¿Pero qué hace el Agua sin el Aire? ¿Pero qué hacen el aire y el agua sin la Tierra? ¿Pero qué hace la Tierra sin el Fuego? Elicura Chihuailaf Jenn Medina vuelve su mirada hacia la tierra y nos invita a recordarla. Y es esta simple acción de recordar la que nos permite tener memoria de quienes somos, dónde y cuándo nacimos, nuestra historia y visión del mundo. Su obra nos acerca a la cerámica expandida, a través de una instalación que invade el espacio, nos embriaga con aromas y nos cuartea con sonidos, que se transforma y adapta a las condiciones del entorno con el inquebrantable y constante transcurrir del tiempo. Así mismo, el material en su estado básico, vivo, nos conecta con los saberes alfareros ancestrales de la región, que con el paso de la historia han tendido a desaparecer, pero que a pesar de ser menospreciados e invalidados, persisten y se amplían hacia otros lugares de nuestra cotidianidad, negándose a ser absorbidos y objetualizados como arte muerto. “... No se puede hablar de inocencia ni de juego cuando se maneja la conciencia de un país con el taca-taca de la tele” Pedro Lemebel Cuando el género y el lenguaje están en el centro de la discusión política y cultural, el arte actúa como una herramienta de resistencia contra los cánones estéticos hegemónicos que nos han sido heredados e impuestos desde la colonia. El fútbol masculino se ha consolidado como el espectáculo de las grandes masas y su influencia va mucho más allá del ámbito deportivo; su discurso masculinizado busca erradicar todo tipo de presencia diversa dentro y fuera del campo, su estructura machista se ha impermeabilizado ante los movimientos sociales de inclusión hasta el punto de acosar y discriminar a los jugadores que han osado “salir del clóset” o levantar su voz. BEN (Rubén Barrios) se apropia de este fenómeno, uno de los cultos más populares del Caribe y del mundo, con el fin de confrontarnos a nuestra propia percepción de la seducción y del cuerpo masculino, utilizando juegos de palabras y la manipulación del esférico, reconfigura el significado de la práctica y del objeto en sí, de igual forma el cuerpo masculino representado adquiere una nueva postura frente al deporte. La obra de BEN, lejos de ser una postura agresiva, adapta la estética del fútbol a las nuevas masculinidades y como él mismo lo expresa, hace relucir la intrínseca atmósfera erótica, fetichista y sugestiva como respuesta subversiva hacia el impacto domesticador de dicho deporte. “Te encuentro, pero encuentro a mi yo allí como tú, reduplicado en mi abandono, pero yo no soy exactamente yo, sino un espectro al que recibo cuando tú buscas una historia diferente de aquella que tienes” Judith Butler Los roles en el arte contemporáneo no siempre están definidos, la obra, el público y el espacio suelen entrar en una danza intermitente y oscilante que deriva en una fusión y transformación constante. Cinthya Escorcia, en un esfuerzo por conectar con el espacio y el público que cotidianamente lo transita, utiliza esta herramienta a su favor y nos invita a activar su obra y participar de ella. El público, al encontrarse con objetos cercanos a su rutina y con instrucciones de uso de los mismos, decide si entra en el juego propuesto o lo ignora. El espacio, desprovisto de su uso habitual, se encuentra repensado y reconstruido a partir de nuevas relaciones y utilizaciones. Cada día, cada momento es una nueva oportunidad, una nueva interpretación que nos interroga sobre la existencia y las consecuencias de nuestros actos como comunidad. Estos seis jóvenes artistas del Caribe colombiano han concebido una serie de propuestas estéticas que rondan diversas problemáticas de la cotidianidad ordinaria y constitutiva de la región. Sus obras desbordan una gran sutileza a la hora de plantear una postura crítica y definida, y su relación con el tiempo y la apropiación de los espacios en donde se exhiben, le proporcionan una virulenta dosis de fuerza que impacta al espectador progresivamente. Pero esta no es una fuerza violenta o agresiva, es una fuerza conciliadora y amplia como una brisa cálida y húmeda que averagúa todo lo que toca, que se instala en lo más profundo de las problemáticas y va creciendo a medida que utiliza los aspectos vulnerables de cada elemento para transformarlos desde su esencia en una fortaleza. Esta selección de artistas del borde refleja sus deseos y proyecciones, que a la vez no son propios pero de un yo expandido, en un Jagüey rebozado, incontenido, que ha sobrepasado el cubo blanco para inundar y desnaturalizar el paisaje que hidrata.